Ewerdt Hilgemann [DE/NL]. Half Cube (Flying Object), 2020.


Two examples from a series of unique works.

Each stainless steel,
approximately
28 x 28 x 14 cm

6,725 + 1.277 VAT = 8.002 €

Nils-Simon Fischer [DE]. August 2017.

  1. 11. August 2017. Mönchsberg 34, 5020 Salzburg.
  2. 13. August 2017. Mönchsberg 34, 5020 Salzburg.

Both silkscreen on paper on MDF,
35 x 51 cm
Unique prints.

each 500 + 95 VAT = 595

___EN___
Comment by the artist

Every day we absorb and participate in the creation of information.
Accordingly, personal, public and political spheres overlap every day. So what happens during this everyday process and what might it look like?

In my drawings, I usually record received actions and actions in real time onto a pre-determined grid, box by box. The boxes are thus occupied by signs or – in the case of a pause – expressed as blanks. In these transcriptions, my transcriptions, my impressions are encoded through rhythmic lines and signs which I also combine with traces of concrete messages and utterances I receive.

My process is bared by me making all these events visible on paper.
Beyond the drawing aspect, I deal with themes of time, space as well as the body; aspects that define the perception of each specific moment.

___DE___
Werkkommentar des Künstlers

Jeden Tag nehmen wir Informationen auf und beteiligen uns an der Erstellung dieser.
Entsprechend treffen persönliche, öffentliche und politische Sphären täglich aufeinander. Was passiert also während dieses alltäglichen Prozesses und wie könnte das aussehen?

In meinen Zeichnungen fixiere ich in der Regel wahrgenommene Handlungen und Aktionen in Echtzeit auf ein vorher festgelegtes Raster, Kästchen für Kästchen. Die Kästchen sind also mit Zeichen besetzt oder – im Falle einer Pause – als Leerstellen ausgedrückt. Für diese Transkriptionen kodiere ich meine Eindrücke in Form von rhythmischen Linien und Zeichen, die ich auch mit Spuren konkreter Nachrichten und Botschaften, die ich erhalte, kombiniere.

Indem ich Ereignisse auf dem Papier sichtbar mache, mache ich meinen Prozess transparent. Über den zeichnerischen Aspekt hinausgehend beschäftige ich mich mit Themen der Zeit und des Raumes sowie mit dem Körper; Aspekte, die die Wahrnehmung jedes spezifischen Momentes definieren.

Nils-Simon Fischer [DE]. Three unique works.


Daily XII, 2018.
Graphite and ink on cardboard on aluminium plate, 21 x 29,5 cm.
Unique work
700 + 133 VAT = 833 €

Karte I, 2020.
Graphite and ink on paper on aluminium plate, 17,8 x 24 cm.
Unique work
700 + 133 VAT = 833 €

Karte II, 2020.
Graphite and ink on paper on aluminium plate, 21 x 26 cm.
Unique work
800 + 152 VAT = 952 €

___EN___
Comment by the artist

How much information can a human body incorporate and process?
Public-political experiences on the one hand and very private moments on the other pour in upon us every day. So I come across this question again and again in my environment.

In my drawings, I translate and encode these impressions into lines and rhythms, but I also use them to trace concrete messages and everyday occurrences. Even if the lines I draw are reminiscent of those of a seismograph, they take on human or personal characteristics through the pauses shown as blank spaces and the hand-written execution.

In my drawing process, I usually fix actions and perceived actions in a pre-arranged grid, square by square. In each square then there is a sign or a blank space.

I see the described personal references to myself as important since my body with its senses serves as a filter for the abundance of information received in parallel during the process. By making events visible, I make my process transparent; my everyday life thus does not remain fiction, but is documented in my works in real time.

___DE___
Werkkommentar des Künstlers

Wie viele Informationen kann ein menschlicher Körper aufnehmen und verarbeiten?
Öffentlich-politische Erfahrungen auf der einen und sehr private Momente auf der anderen Seite strömen täglich auf uns ein. So stoße ich in meiner Umwelt immer wieder auf diese Frage.

In meinen Zeichnungen übersetze und codiere ich diese Eindrücke zwar in Linien und Rhythmen, lege damit aber auch Spuren zu konkreten Nachrichten und Alltäglichkeiten. Auch wenn die durch mich gezeichneten Linien an die eines Seismographen erinnern, bekommen sie durch die gezeigten Pausen als Leerstellen und durch die handschriftliche Ausführung menschliche beziehungsweise persönliche Züge.

In meinem Zeichenprozess fixiere ich Aktionen und wahrgenommene Handlungen meist in einem im Voraus angelegten Raster, Kästchen für Kästchen. In jedem Kästchen befindet sich dann ein Zeichen oder eine Leerstelle.

Die beschriebenen persönlichen Bezüge zu mir sehe ich insofern als wichtig an, als dass mein Körper mit seinen Sinnen während des Prozesses als Filter für die Fülle an parallel erhaltenen Informationen dient. Durch das Sichtbarmachen von Ereignissen mache ich meinen Prozess transparent; mein Alltag bleibt dadurch nicht Fiktion, sondern wird in meinen Arbeiten in Echtzeit dokumentiert.

David Semper [DE]. STIFTSTÜCK, 2021.



Graphite pencil, bookbinding cardboard,
22 x 13 cm

Special drj series of 5 unique works

each 900 + 171 VAT = 1.071 €

___EN___
Comment on the work by the artist

For the drawings STIFTSTÜCKE I used graphite pencils as inlays. I sanded the pencil and spread the pigment on the surface.

___DE___
Werkkommentar des Künstlers

Für die Zeichnungen STIFTSTÜCKE habe ich Graphitstifte als Intarsien verwendet. Ich habe den Stift abgeschliffen und das Pigment auf der Oberfläche verteilt.

Laurence Grave [FR]. Three unique works, 2020


Strip off strips, 2020.
Oil on canvas, 50 x 40 cm
Unique work
950 + 181 VAT = 1.131 €

The void in between, 2020.
Acrylic and oil on canvas, 24 x 38 cm.
Unique work
650 + 124 VAT = 774 €

Belted square, 2020. Oil, earth pigment and acrylic on canvas, 36x36cm.
Unique work
650 + 124 VAT = 774 €

___EN___
Comment on the work by the artist

The concern about an almost familiar relationship, an immediacy between the work and the observer, the consideration of a mirror game reflecting individual memory and History of painting, led me to keep the „traditional“ tools. Among others: surface, color, frame.
That said, it is obvious that only a criticism of these means can produce enough echoes to allow us to question their nature. The spatiality of some of my works, referring for example to Fontana, are the result of an attention paid to the materiality of the work: strips of canvas torn off, visible staples, stripping of the frame, reuse of the material, recovery, etc. These tools, these methods, these means, sometimes „crude and irreverent“, are above all means of access to the „individual personality“ of each painting, and not a specific interest for the support itself. I question perception by confronting imperfection with the idea of harmony, perfection or transcendence that we expect from an artistic work. In doing so, what might at first glance be considered unsightly, I look for the active principle of the changeable character of the image. The critical tension for me lies in this interplay between process-related incidents, which at best disrupts the conventional truth of the work of art in its ideality. I seek direct solutions, but without joining either a program that would make this the goal of the method.
In short, a critique of symbiosis between art and transcendence. The „abused“ work, sometimes bullied, paradoxically tends to join a certain quality of silence or solitude which could register it in a stream drifting from the Arte Povera wave, for example by reducing the number of pictorial procedures.
It also seems to me that there is perhaps an effect of resemblance, between these materials, their obviousness and their fragility, and our own fragile, mortal nature, and it is through this dialogue that my practice develops itself.

___DE___
Werkkommentar der Künstlerin

Die Beschäftigung mit einer fast vertraut wirkenden Beziehung, einer Unmittelbarkeit zwischen dem Werk und dem Betrachter, die Überlegung eines Spiegelspiels, das die individuelle Erinnerung und die Geschichte der Malerei reflektiert, hat mich dazu gebracht, die «traditionellen» Werkzeuge beizubehalten. Unter anderem: Fläche, Farbe, Rahmen.
Dabei ist es offensichtlich, dass nur eine Kritik dieser Mittel genug Widerhall erzeugen kann, um ihre Natur zu hinterfragen. Die Räumlichkeit einiger meiner Arbeiten, die sich z.B. auf Fontana beziehen, sind das Ergebnis einer Auseinandersetzung mit der Materialität des Werkes: abgerissene Leinwandstreifen, sichtbare Klammern, Ablösen des Rahmens, Wiederverwendung des Materials, Rückgewinnung, etc. Diese Werkzeuge, diese Methoden, diese Mittel, die mitunter „grob und respektlos“ sind, stellen vor allem einen Zugang zur „individuellen Persönlichkeit“ eines jeden Gemäldes dar und nicht ein spezifisches Interesse für den Träger selbst. Ich hinterfrage die Wahrnehmung, indem ich die Unvollkommenheit mit der Idee von Harmonie, Perfektion oder Transzendenz konfrontiere, die wir von einem künstlerischen Werk erwarten. Dabei suche ich in dem, was auf den ersten Blick als unansehnlich angesehen werden könnte, das aktive Prinzip eines veränderlichen Charakters des Bildes. Die kritische Spannung liegt für mich in diesem Wechselspiel zwischen prozessualen Ereignissen, das die konventionelle Wahrheit des Kunstwerks bestenfalls in seiner Idealität stören kann. Ich suche nach direkten Lösungen, ohne mich jedoch einem Programm unterzuordnen, das dies zum Ziel der Methode machen würde.
Kurzum, eine Kritik der Symbiose zwischen Kunst und Transzendenz. Das „missbrauchte“ Werk, das manchmal schikaniert wird, neigt paradoxerweise dazu, sich einer gewissen Qualität der Stille oder Einsamkeit anzuschließen, die es in einem von der Arte-Povera-Welle abdriftenden Strom einordnen könnte, zum Beispiel durch die Reduzierung der Anzahl der bildnerischen Verfahren.
Es scheint mir auch, dass es vielleicht einen Effekt der Ähnlichkeit gibt, zwischen diesen Materialien, ihrer Offensichtlichkeit und ihrer Zerbrechlichkeit, und unserer eigenen zerbrechlichen, sterblichen Natur, und es ist durch diesen Dialog, durch den sich meine Praxis entwickelt.




Jesús Perea [ES]. Drawing 21-14/16/18/20, 2021.



Acrylic and markers on embossed indian paper,
34,5 x 34,5 cm
Series of unique works,

each 400 + 76 VAT = 476 €

___EN___
Comment by the artist

Artistic statement
As an artist, I sense creation as a marvelous process which I constantly feed upon. I depend on it in my endless search for paths towards beauty and emotion. I feel my work very much linked to music and the compositions process, mainly to the intuitive and purely emotional aspect of it: the unexpected melodic line which, out of the blue, fills everything with sense and surprise, sometimes arising from behind arduous roads, others just floating magically gentle, as if it always were there, lingering for the encounter.

About these artworks
For these series of drawings, I worked with an Indian handmade paper, exploring with embossing with geometrical elements as a first layer for the compositions.

___DE___
Kommentar des Künstlers

Künstlerisches Statement
Als Künstler empfinde ich das Erschaffen als einen wunderbaren Prozess, von dem ich mich ständig nähre. Ich bin von ihm abhängig in meiner endlosen Suche nach Wegen zu Schönheit und Emotion. Ich fühle mich in meiner Arbeit sehr mit der Musik und dem Prozess des Komponierens verbunden, vor allem mit dem intuitiven und rein emotionalen Aspekt desselben: die unerwartete melodische Linie, die aus heiterem Himmel alles mit Sinn und Überraschung erfüllt, manchmal hinter mühsamen Wegen auftauchend, andere einfach magisch sanft schwebend, als wären sie schon immer da gewesen, auf die Begegnung wartend.

Über diese Kunstwerke
Für diese Serie von Zeichnungen habe ich mit einem indischen handgeschöpften Papier gearbeitet und mit Prägungen mit geometrischen Elementen als erste Schicht für die Kompositionen experimentiert.

Oliver Thie [DE]. Ohne Titel (Schattenfänger-Methode), 2018.


Soot and shellac on glassine,
29,5 x 21 cm
Series of unique works,
one more in stock

each 680 + 129 VAT = 809 €

___EN___
Comment on the work by the artist

These works are the shadows of fragments of rock from the Berlin Museum of Natural History. I archive them with an especially developed method: I completely cover a transparent glassine paper with lampblack, project a shadow onto it and then remove the soot that lies outside the darkened surface. In a sense, I excavate the shadow with brushes and other drawing instruments, an archeological process. In the empty silhouette I make entries that correspond with observations on the stone.

I take up scientific methods and research queries with artistic strategies and transform natural objects into drawings in order to open up a further interpretative space.

___DE___
Werkkommentar des Künstlers

Diese Arbeiten sind die Schatten von Gesteinsstücken aus dem Berliner Museum für Naturkunde. Ich speichere sie mit einer eigens dafür entwickelten Methode: Ein transparentes Pergamin-Papier bedecke ich komplett mit Lampenruß, projiziere einen Schatten darauf und trage den außerhalb der verdunkelten Fläche liegende Ruß wieder ab. Ich grabe den Schatten mit Pinseln und anderem Zeichengerät gewissermaßen aus, ein archäologischer Vorgang. In der leeren Silhouette mache ich Eintragungen, die mit Beobachtungen auf dem Stein korrespondieren.

Ich greife wissenschaftliche Methoden und Forschungsfragen mit künstlerischen Strategien auf und transformiere Naturobjekte in Zeichnungen, um so einen weiteren Deutungsraum zu eröffnen.

Brigitte Schwacke [DE]. Three unique works.


Um die Ecke bringen, 2021.
Alloyed wire, 12 x 15 x 13 cm plus extension.
750 + 143 VAT = 893 €

Kleine Turbulenz, 2019.
Alloyed wire, 15 x 15 x 12 cm.
650 + 124 VAT = 774 €

Run, Exemplar Nr. 1, 2021.
Alloyed wire, ca. 28 x 18 x 3 cm .
From a series of unique works,
one more in stock
840 + 160 VAT = 1.000 €

___EN___
Comment on the work by the artist

Three-dimensional spatial drawings
The levitating sculptures made of thin, alloyed metal wires create shapes in the air, as if drawn with a pencil. The structures enclose and delimit emptiness, the space is structured, included and thus becomes part of the work.

Run, 2021
The works in the new group of works «Run»  are made of alloy wire. The series will consist of a continuously growing number of «wire pictures»  in rectangular format. In «Run» , the regularity of the emerging fabric is broken by dropping one or more stitches. The metal thread is very tough and bulky in its processing and so the run of the mesh remains stored in the fabric as if frozen.

The result is: Voids – tensions – time lapses.

___DE___
Werkkommentar der Künstlerin

Dreidimensionale Raumzeichnungen
Die schwebenden Skulpturen aus dünnen, legierten Metalldrähten schaffen, wie mit Bleistift gezeichnet, Formen in der Luft. Die Gebilde umschließen Leere und grenzen diese aus, der Raum wird gegliedert, einbezogen und so zum Bestandteil der Arbeit.

Run, 2021
Die Arbeiten der neu entstehenden Werkgruppe «Run» sind aus legiertem Draht gearbeitet. Die Reihe wird aus einer kontinuierlich anwachsenden Zahl von «Drahtbildern” im Rechteckformat bestehen. In «Run» wird die Regelmäßigkeit des entstehenden Gewebes durch das Fallenlassen einer oder mehrerer Maschen durchbrochen. Der Metallfaden ist sehr zäh und sperrig in seiner Verarbeitung und so bleibt der Lauf der Masche wie eingefroren im Gewebe gespeichert.

Es entstehen: Fehlstellen – Spannungen – Zeitverläufe.

Dori Deng [CN/GB]. Light Work No.1 – 45°, 2021.


Expansion Series: Light Work No.1 – 45°, 2021.
Stainless steel, LED light, 20 x 50 x 30 cm
Edition of 3
1.300 + 247 VAT= 1.547 €

Drawing Study, Light Work No.1 – 45°, 2021.
Graphite, fine liner on tracing paper,
30,5 x 42,5 x 2,5 cm
Unique work
550 + 105 VAT = 665 €
Frame + 120 €

___EN___
Comment on the work by the artist

Expansion Series (2000 – present)

Light as natural phenomena is mostly seen as a visible static that lands on the surface, it is the less visible yet physical quality of the light that fascinated me – the structure and temporality of light. With minimal gesture and intervention, Expansion Series investigates the physical expansion of artificial light and the reflection in natural light. Interaction triggered through the exchange between artificial and organic, physical existence and perceptual experience.

This series continues the study of architecture as the ground stone. Followed the research of historical architecture in the previous series, Expansion Series set to focus on Modernist Architecture, particularly the International Style. Which the movement used industrial materials such as steel and glass in repetition and modular forms, to introduce the light and volume into the interior, therefore enlarging the perceptive experience of the person over architecture.

Our sensibility is heightened through rejection from ornament, every act is a necessity. Reflection and light travel through the transparent surfaces and functional structures in the Expansion Series artworks, the optical phenomena and law of physic are leading our sensibility – to let our perception construct, not the construction of the architecture.

The new Light Work No.1 – 45° in Expansion Series is a minimal gesture that enables the light to travel and interact. An engineered steel bar projected a thread of light to expand onto an interior corner to form a 45-degree triangle. The illuminated triangle is sensual, yet physical.

___DE___
Werkkommentar der Künstlerin

Expansion Series (2000 – heute)

Licht als Naturphänomen wird meist als sichtbares Etwas gesehen, das auf der Oberfläche landet. Es ist jedoch die weniger sichtbare, sondern die physische Qualität des Lichts, die mich fasziniert – die Struktur und Zeitlichkeit des Lichts. Mit minimaler Geste und Intervention werden in der Expansion Series die physische Ausdehnung von künstlichem Licht und die Reflexion in natürlichem Licht untersucht. Interaktion, ausgelöst durch den Austausch zwischen Künstlichem und Organischem, physischer Existenz und Wahrnehmungserfahrung.

Diese Serie setzt die Auseinandersetzung mit der Architektur als Grundlage fort. Nach der Untersuchung der historischen Architektur in der vorherigen Reihe, konzentriert sich die Expansion Series auf die Architektur der Moderne, insbesondere auf den Internationalen Stil. Diese Bewegung verwendete industrielle Materialien wie Stahl und Glas in Wiederholung und modularen Formen, um Licht und Volumen in den Innenraum hineinzubringen und so die Wahrnehmungserfahrung des Menschen in Bezug auf Architektur zu erweitern.

Unsere Empfindung wird durch den Verzicht auf Ornamente geschärft, jede Handlung ist eine Notwendigkeit. Reflexion und Licht wandern durch die transparenten Oberflächen und funktionalen Strukturen in den Werken der Expansion Series, die optischen Phänomene und Gesetze der Physik leiten unsere Sensibilität – um unsere Wahrnehmung selbst konstruieren zu lassen, nicht die Konstruktion der Architektur.

Die neue Lichtarbeit No.1 – 45° in der Expansion Series ist eine minimale Geste, die es dem Licht ermöglicht, zu reisen und zu interagieren. Eine technische Stahlschiene projiziert einen Lichtfaden, der sich auf eine Innenecke ausdehnt und ein 45-Grad-Dreieck bildet. Das beleuchtete Dreieck ist sinnlich und dennoch physisch.

Carles Valverde [ES/CH]. B001 (s/t Mural), 2018.


Patinated steel,
30 x 9,5 x 5 cm.
Edition of 20

1.200 + 228 VAT = 1.428 €

Sabine Straub [DE]. BoX, 2021.


BoX silber fein, 2021.
BoX rot-weiß, 2021.
BoX rot, 2021.

Binding wire coiled, lacquer,
30,5 x 30 x 5 cm

Two examples from a series of unique works.
Three more in stock.

each 1.100 + 209 VAT = 1.309 €

___EN___ 
Comment on the work by the artist

A continuous line of thin steel wire circumscribes an empty space.
The line condenses into surfaces, the surfaces circumscribe a body.
This body forms a basic geometric shape, the internal structure of the surfaces is alive through complex superimpositions, interferences, densification, breakthroughs.
The perception involuntarily changes from immaterial body to shell, from clear unambiguous shape to the complex internal structure of the surfaces.

___DE___
Werkkommentar der Künstlerin

Eine kontinuierliche Linie aus dünnem Stahldraht umschreibt einen Leerraum.
Die Linie verdichtet sich zu Flächen, die Flächen umschreiben einen Körper.
Er bildet eine geometrische Grundform, die Binnenstruktur der Flächen ist lebendig durch komplexe Überlagerungen, Interferenzen, Verdichtungen, Durchbrüchen.
Die Wahrnehmung wechselt unwillkürlich von immateriellem Körper zur Hülle, von klarer eindeutiger Gestalt zur komplexen Binnenstruktur der Flächen.

Don Voisine [US]. Untitled, 2021.


Oil/paper – or – oil & acrylic/paper,
28 x 28 cm

Series of 5 unique works, two more in stock

each 950 + 181 VAT = 1.131 €

___EN___
Comment on the work by the artist

These works come out of the isolation presented by the Covid-19 lockdown and related health and safety protocols. I was not able to access my studio for over 6 months and worked at home on a table top. The limitations caused by this situation prompted me to explore working on paper more than I have in the past. I begin by applying 4 coats of gesso to heavyweight (640 g/m2) cold pressed watercolor paper. The rest of the process is done in the same way as all of my other paintings.

___DE___
Werkkommentar des Künstlers

Diese Arbeiten sind aus der Isolation heraus entstanden, die durch die Lockdowns in Zusammenhang Covid-19 und den damit verbundenen Gesundheits- und Sicherheitsbestimmungen entstanden ist. Ich hatte über 6 Monate lang keinen Zugang zu meinem Atelier und arbeitete zu Hause auf einer Tischplatte. Die Einschränkungen, die diese Situation mit sich brachte, führten mich dazu, verstärkt und mehr als zuvor Arbeiten auf Papier anzugehen. Ich beginne dafür mit dem Auftragen von 4 Schichten Gesso auf schweres (640 g/m2) kaltgepresstes Aquarellpapier. Der weitere Prozess erfolgt in gleicher Weise wie bei all‘ meinen anderen Gemälden.

Gladys Nistor [AR/FR]. Unbuilt project, 2017.


Black + white paper, mirror,
steel pins, 20 x 20 x 8 cm

Edition of 6
each 1.200 + 228 VAT = 1.428 €

___EN___
Comment on the work by the artist

«Unbuilt project»
The matter for me is about building compelling universes almost out of thin air. This statement is valid to understand all of my work. I want to create artworks with a strong capacity to evoke, made by using and manipulating only a few elements. A sort of a sensitive « less is more ». For me the artworks should give the impression as if they had been created by a magic-wand touch.
The title « Unbuilt project » places us in the world of architecture, since this is the generic term used for architectural projects that remain unbuilt.
«Unbuilt project» is the outcome of the very unlikely meeting amongst a piece of paper, a mirror and a bunch of pins. Each one of these elements are « treated » as to concentrate
and increase their expressive qualities.
The black paper added on the reverse of the white paper and the simple lasercuts I make on them work as doors and/or windows.
By placing the pins vertically, they make us give up on the bidimensional perception we usually have of them, while they become a sort of columns or pillars.
In this series, the «magic-wand moment» happens when I split the paper cutouts of paper from the horizontal, by positioning the pins vertically. The volume is then built up and all the elements constitutive to the artwork enter in dialogue.
The mirror makes us discover its reverse and adds a virtual dimension beyond the actual boundaries of the object, by duplicating the black paper surface, the shape of the cutouts and the pins.
We are witnessing a mental architecture from which we are excluded.
A place where to host the imaginary.

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Werkkommentar der Künstlerin

«Unbuilt project»
Für mich geht es darum, beeindruckende Universen fast aus dem Nichts zu erschaffen. Das gilt für das Verständnis meiner gesamten Arbeit. Ich möchte Kunstwerke mit einer starken Suggestionskraft schaffen, die durch die Verwendung und Manipulation von nur wenigen Elementen entstehen. Eine Art sensibles «weniger ist mehr“. Für mich sollen die Kunstwerke den Eindruck erwecken, als ob sie durch eine Berührung mit einem Zauberstab entstanden wären.
Der Titel «Unbuilt project» versetzt uns in die Welt der Architektur, denn dies ist der Oberbegriff für Architekturprojekte, die nicht gebaut werden.
«Unbuilt project» ist das Ergebnis des sehr unwahrscheinlichen Zusammentreffens von einem Stück Papier, einem Spiegel und ein paar Stecknadeln. Jedes einzelne dieser Elemente wird «behandelt», um seine Ausdrucksqualitäten zu konzentrieren und zu steigern.
Das schwarze Papier, das auf der Rückseite des weißen Papiers angebracht ist, und die einfachen Lasercuts, die ich darauf anbringe, wirken wie Türen und/oder Fenster.
Indem ich die Nadeln vertikal platziere, geben sie die zweidimensionale Wahrnehmung auf, die wir normalerweise von ihnen haben, und werden zu einer Art von Säulen oder Pfeilern.
In dieser Serie passiert der «Zauberstab-Moment», wenn ich die Papierausschnitte von der Horizontalen löse, indem ich die Stifte vertikal platziere. Dann baut sich das Volumen auf und alle für das Kunstwerk konstitutiven Elemente treten in einen Dialog.
Der Spiegel lässt uns seine Rückseite entdecken und fügt eine virtuelle Dimension jenseits der tatsächlichen Grenzen des Objekts hinzu, indem er die schwarze Papieroberfläche, die Form der Ausschnitte und die Stifte dupliziert.
Wir werden Zeugen einer mentalen Architektur, von der wir ausgeschlossen sind.
Ein Ort, der das Imaginäre beherbergt.

Esther Stocker [IT]. Untitled, 2021.


Printed paper-aluminium foil, wood,

Creased sculptures from a series of uniquesworks.

Three approx. 35 x 35 x 15 cm
1.350 + 257 VAT = 1.607 € each

One in size approx. 42 x 42 x 14 cm
[white square pattern on black surface]
1.500 + 285 VAT = 1.785 €




___EN___
On the work of the artist

Since 2015, the work and artistic position of Esther Stocker [born 1974, Silandro, Italy] have played a prominent role in the programme of drj art projects. Working within strict parameters, Esther Stocker deals in her painting with the phenomenon of the grid and with disruptions to it, thereby also thematizing the idea of order as a prerequisite of disorder. Proceeding from this focus, Esther Stocker has continually broadened her interests, ultimately expanding into the third dimension and realizing temporary spatial installations in international galleries and museums as well as permanent architectural interventions. Her interest in space and form has also resulted in sculptural objects.

The work group of her «Knitterskulpturen» [Creased Sculptures] is based directly on Esther Stocker’s main subject, the intensive exploration of grid, order, as well as their disturbances and relative effects. The development of this special type of sculpture is based on the interest in bringing a two-dimensional system into the third and spatial dimension through the process of crumpling. Originally, the artist photographed the resulting spaces and structures until she turned the inwardly deformed mediums back into an outwardly closed corpus, by turning them inside out. The work group meanwhile ranges from small wall-hanging formats to large-scale sculptures in public spaces.

Matthias Seidel, drj art projects

___DE___
Zur Arbeit der Künstlerin

Werk und künstlerische Haltung von Esther Stocker [*1974, Silandro, Italien] stehen im Programm von drj art projects seit 2015 an hervorgehobener Stelle. Innerhalb eng gesetzter Parameter bearbeitet sie in ihrer Malerei das Phänomen des Rasters und seiner Störungen, womit sie auch Ordnung als eine Bedingung von Unordnung thematisiert.
Ausgehend davon hat Esther Stocker ihre künstlerischen Interessen stets erweitert. In der Folge ist sie in die dritte Dimension vorgedrungen. So hat sie raumgreifende temporäre Installationen in internationalen Museen und Galerien sowie permanente architekturbezogene Interventionen realisiert. Auch plastische Objekte entstehen aus ihrem Interesse an Raum und Körper.

Die Werkgruppe ihrer Knitterskulpturen gründet direkt auf dem Hauptthema Esther Stockers, der intensiven Auseinandersetzung mit Raster, Ordnung, sowie deren Störungen und Relativierungen. Die Entwicklung dieser speziellen Form von Plastiken geht dabei auf das Interesse zurück, ein zweidimensionales System durch den Prozess des Zerknitterns in die dritte, räumliche Dimension zu bringen. Ursprünglich hielt die Künstlerin die sich ergebenden Räume und Strukturen fotografisch fest, bis sie aus den nach innen verformten Bildträgern, durch das Umstülpen, wieder einen äußerlich geschlossenen Körper entstehen ließ. Die Werkgruppe reicht mittlerweile von kleinen wandhängenden Formaten bis zu Großplastiken im öffentlichen Raum.

Matthias Seidel, drj art projects

edition ROTE INSEL
Publikationen. Auflagen+Reihen. Mappenwerke.

Seit 2010 veröffentlicht edition ROTE INSEL Publikationen zu Ausstellungen und Projekten von drj art projects. Im Vertrieb der edition ROTE INSEL befinden sich darüber hinaus Publikationen der Programm-Künstler*innen sowie thematisch verwandte Publikationen. edition ROTE INSEL steht als unabhängiger Verlag an der Seite von drj art projects in der Leberstraße 60, Berlin.

Publikationen, die die edition ROTE INSEL selbst herausgibt und verlegt, sind hier bzw. unter dem gleichnamigen Menü zu finden.

Publikationen anderer Verlage und Herausgeber*innen, die über edition ROTE INSEL erhältlich sind, sind hier zu finden.

Auflagenobjekte – respektive Multiples – und Arbeiten in Reihen bzw. Serien bilden einen festen Bestandteil des Programms von drj art projects und werden in der edition ROTE INSEL gebündelt präsentiert und vertrieben. Die Ausstellung START-UP! Multiples + Series zeigte 2017 erstmals umfassend die von der edition ROTE INSEL herausgegebenen Auflagenobjekte. Diese Arbeiten sind auf der edition-ROTE-INSEL-Website unter der Rubrik START-UP! versammelt.

Auch für Mappenwerke ist die edition ROTE INSEL gleichzeitig Herausgeber und Vertrieb. Unser Angebot beinhaltet sowohl selbst von uns herausgebende Zusammenstellungen, als auch Portfolios, die unsere Künstler*innen bei anderen Herausgebern verlegt haben. Für diese fungiert die edition ROTE INSEL als Vertriebspartner. Mappenwerke werden in Zukunft weiterhin eine feste Rolle bei der edition ROTE INSEL spielen.

Digitaler Informationskanal

drj art projects und edition ROTE INSEL starten ein neues Informationsangebot: Direkt neben den Ausstellungsräumen der Programmgalerie in der Leberstraße 60 wird ab Ende Januar ein Digitales Schaufenster eingerichtet. Dort werden künftig aktuelle Inhalte direkt vor Ort vermittelt, sodass auch in Zeiten von Social Distancing und geschlossenen Ausstellungen ein themenbezogener Kontakt zu Kunst, Architektur und Stadtentwicklung möglich bleibt.

„Digitaler Informationskanal“ weiterlesen

Yasuaki Kuroda [JP]. text + ure, 2020.


Naturally dyed silk threads on wood panel.
Series of unique works

Sold out.

666 EUR [560 + 106 VAT]

Gerhard Frömel [AT]. Schöneberger Quadrat, 2016

Metallstab Ø 8 mm, Acryllack, 37,5 x 37,5 x 4 cm
Ed. 12

952,00 EUR [800,00 +152 VAT]

Lara Faroqhi [DE] Hinterhof I – VI, 2020



Series of six works.

Size 14,5 x 18,5 cm each.
All gouache, oil, coloured pencil, wax crayon tracing on paper.
Signed and titled on verso.
Framed in a white painted maple frame with spacer bar.

810 EUR [680 + 130 VAT]

Friederike von Rauch + Marcel Dettmann. RAUCH, 2017.

RAUCH, geschrieben und produziert im Kollektiv von den Berliner Producern Felix KMarcel DettmannSa Pa und Simon Hoffmann , zusammengestellt und abgemischt von Marcel Dettmann, ist als künstlerische Annäherung und Dialog zu den Fotografien von Friederike von Rauch zu verstehen.

In ihrer Ausstellung im Goethe-Institut Paris, anlässlich der Paris Photo 2017, zeigt die Künstlerin Arbeiten, die in verschiedenen Klöstern der Nachkriegsmoderne entstanden sind – von La Tourette von Le Corbusier entworfen, über Roosenberg Abbey nahe Gent, zur Klosterkirche Maria Regina Martyrum in Berlin. Sie werden klanglich untermalt werden durch die Musik von RAUCH.

RAUCH  ist auch die Fortsetzung der künstlerischen Kollaboration zwischen Marcel Dettmann und Friederike von Rauch. Die beiden in Berlin lebenden Künstler arbeiten hier nach Ash [2011] zum zweiten Mal an der Schnittstelle Fotografie-Musik, darüber hinaus zierten Friederike von Rauchs Fotografien bereits drei Dettmann-Veröffentlichungen auf Ostgut Ton.


RAUCH is a sonic interpretation of the work of photographer Friederike von Rauch, composed collaboratively by Berlin-based producers Felix KMarcel DettmannSa Pa and Simon Hoffmann. Arranged and mixed by Marcel Dettmann, the recording stands in dialogue with von Rauch’s architectural images of post-World War II European monasteries, including La Tourette by Le Corbusier and Iannis Xenakis near Lyon, Roosenberg Abbey near Ghent and Maria Regina Martyrum in Berlin. The images have first been exhibited together with the music on this LP as part of an installation for von Rauch’s solo show insgeheim (“in secret”), held at the Goethe-Institut Paris during the international Paris Photo art fair in November 2017.

EDITION BOX.
Friederike von Rauch – Roosenberg. Archival Pigmentprint on Fine Art Paper (28x28cm on 30x30cm sheet)
+
Felix K, Marcel Dettmann, Sa Pa and Simon Hoffmann – RAUCH.
LP 180 gr. Vinyl + WAV download code

Edition 50 + 2 E.A.
450 EUR net

CENTURY. idee bauhaus – a drj project with 100 international artists

Anyone who works in the fields of art, architecture, or design has inevitably engaged with the Bauhaus at some point, and in most cases, has developed a position on it.

As a programme and project gallery for conceptual and minimal contemporary art + architecture, drj initiated a project of its own to commemorate the 100th anniversary of the Bauhaus’ founding, forming a curatorial team and inviting 100 international artists to submit their personal reflections on the Bauhaus in the form of a DIN A4 sheet of paper.

These individual contributions have been brought together in the exhibition CENTURY. idee bauhaus, which illuminates a broad spectrum of artistic approaches and attitudes, encompassing both personal closeness and critical distance to the subject.

The exhibition is an exemplary visual answer to the question of whether [and if so, how] the legacy of the Bauhaus, which itself existed for only fourteen years, can still be recognized in contemporary artistic approaches.

Or is it perhaps more the decades of reception history that were formative—whether continuing and adapting Bauhaus ideas or rejecting them?
The curatorial team consists of museum director Simone Schimpf, MKK Ingolstadt, curator Sibylle Hoiman, Bauhaus Archiv Berlin, art scientist Frederik Schikowski, Berlin/Basel and architect and art collector Frank F. Drewes, Berlin/ Bielefeld, as well as drj directors Christiane Bail and Matthias Seidel.

An overview of all 100 works is available as downloadable pdf file: CENTURY_A1_Poster__A4_Folder_.pdf

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CENTURY. idee bauhaus — PORTFOLIO. 14 Reproduktionen ausgewählter Beiträge

Unter den 100 Arbeiten der Ausstellung hat das kuratorische Team die Zahl von 14 Werken bestimmt, die als Destillat des gesamten Projekts in einem Portfolio, in Form von hochwertigen Reproduktionen, zusammengefasst sind.

Die Zahl ist angelehnt an die 14 Jahre, die das Bauhaus von 1919 bis 1933 real an den drei Standorten Weimar, Dessau und Berlin existierte. Im Gegenüber zu den 100 Originalen des Gesamtprojekts ist durch diese Auswahl in gewissem Sinne auch physisch erfahrbar, wie kurz diese Zeitspanne eigentlich war, insbesondere von heute aus besehen, einhundert Jahre nach der Gründung des Bauhaus.

Die Mappen sind in einer limitierten Auflage von 14 nummerierten Exemplaren sowie sechs weiteren, als Épreuves d‘Édition gekennzeichneten produziert worden. Vertrieben werden sie über die drj angegliederte edition ROTE INSEL.

Die ausgewählten Arbeiten sind oben abgebildet.

CENTURY. idee bauhaus — PORTFOLIO

Arne Schreiber [DE]Caroline Kryzecki [DE]Fernanda Fragateiro [PT]Fritz Horstman [US]H. Frank Taffelt [DE]Haleh Redjaian [DE/IR]Ioannis Lassithiotakis [GR]Jan Klopfleisch [DE]Jaromír Novotný [CZ]Lars Breuer [DE]Lindsay Packer [US]Nadine Fecht [DE]Susan York [US]Willem Besselink [NL]

14 Fine–Art Drucke, 12 Farben Pigmenttinten Druck, 1200 dpi, mit lösemittelfreier, UV–beständiger Tinte, auf Hahnemühle Foto Matt Fibre 200 g/m² . Inklusive Werkkommentaren der Künstler/innen auf 90 g/m² Transparentpapier, gefasst in Pergaminhülle, eingeschlagen mit Faserseidentuch in einer Mappe aus rauer Terrapappe mit Schnurverschluss. Edition 14 + 6 E.E., nummeriert und mit Prägestempel markiert

Angebot in Staffelpreisen:
1/14 – 3/14 für 280 € + 7% = 299 € -> nicht mehr verfügbar / no longer available
4/14 – 8/14 für 330 € + 7% = 353 € -> noch zwei mal verfügbar / two available
9/14 bis 14/14 für 370 € + 7% = 396 € -> verfügbar / available

START-UP! Multiples + Series

Dokumentation der Auftakt-Ausstellung zu Werken in Auflagen und Reihen bei dr. julius | ap.

Insgesamt 35 Künstlerinnen und Künstler des etablierten Galerieprogramms sowie geladene Gäste haben dazu beigetragen, siehe www.rote-insel.com.

Wie der Titel impliziert, sind vorwärtsblickende, neue Wege suchende sowie teils auch experimentelle Konzepte deren inhaltlich tragende Momente, sowohl was die einzelnen Arbeiten als auch den Charakter ihrer Zusammenstellung betrifft. Dies unterstreicht anschaulich, welche künstlerische Kraft, Innovationsfreude und Frische der zeitgenössischen konzeptuell minimal konkreten Kunst gerade heute innewohnt.

Deutsch / Englisch
21 × 14,80 cm
28 Seiten

4,90 EUR

edition ROTE INSEL #00061
Mai 2017

PDF-Download hier